Clase de anatomía

Este cuadro tiene por título "Clase de anatomía" (no consta el autor) y realmente es un bello cuadro, nada que objetar, pero sobre lo que sí se puede objetar es sobre los encandilados mirones que no tienen bastantes ojos para contemplar, con interés puramente académico, el hermoso espectáculo que se muestra ante ellos.

No se si el autor lo habrá titulado así porque realmente era una clase de anatomía o, haciendo gala de una fina ironía, porque le pareció un título más serio para dignificar un tema que peca mas bién frívolo o libertino, descocado, como se decía antiguamente.

Sinceramente, yo lo habría titulado "Hipocresía"
(Según la RAE, Hipocresía: Fingimiento de cualidades o sentimientos contrarios a los que se tiene o experimentan).

¿Porque?, pues en primer lugar porque los señores que miran no tienen aspecto de doctores o aprendices de la ciencia de Hipócrates sino, más bien, de señoritingos golfos, pero de buena y acomodada familia, "buenos chicos, son de fiar", y en segundo lugar porque, creo yo, que para dar una clase de anatomía no hace falta tener delante a cinco damiselas que, dicho sea de paso, están de muy buen ver y parece que han sido elegidas para otra especialidad de doctorado como podía ser el de Doctor Ingeniero en Técnicas Experimentales Amatorias y Sexuales.

Nunca se han caracterizado las Facultades de Medicina, ni ninguna otra, por disponer de un presupuesto que les permitiera, medianamente, adquirir elementos y material para desarrollar la docencia, por lo tanto dudo que se haya podido permitir el lujo de contratar a cinco señoritas para dar una clase a sólo dos alumnos, y su profesor, claro, no se iba a quedar él en la puerta, por lo que, supongo, habran recurrido a convencerlas de que estan colaborando a la expansión de las fronteras de la ciencia y ellas, convencidas de su aportación a la investigación científica, han posado desinteresadamente. ¿Altruismo, candidez, inclinación exhibicionista, marqueting promocional?, ah!, qui lo sa!.

En fin, estas gratuitas elucubraciones vienen a cuento para justificar la inclusión en este post de una excelente pintura (lástima no conocer el autor para loarlo como se merece), para goce y disfrute visual de los amables bloggers que me honran con su visita. (Pulsar sobre la imagen para verla mejor)

Gracias y felices y eróticos sueños.

India enigmática

A la vista de esta escultura realizada entre los años 950 y 1050 es difícil creer que la India es, desde tiempo inmemorial, un lugar donde la espiritualidad y la observancia de los ritos religiosos, el desprecio de los bienes terrenales, la austeridad y la práctica de la virtud, en esta vida terrena y pasajera, para limpiar el karma y acortar la cadena de reencarnaciones a que, según ellos, estamos destinados mientras no nos hagamos dignos de habitar en el séptimo cielo que es donde se terminan las reencarnaciones.

Pero no sólo es esta estatuilla, pues podríamos pensar que es obra de algún artista dado al arte erótico como expresión de protesta por la posible pacatería de la sociedad en aquel entonces, no, porque también conocemos imágenes de grandes templos en los que todas sus fachadas, desde los zócalos hasta los remates de sus torres, estaban llenos de figuras representando el acto sexual explícitamente en tantas variantes corporales que ningún obseso sexual fuera capaz de imaginar. Tómese como ejemplo el Kamasutra, libro de origen indio y que en occidente es la biblia de las relaciones sexuales.

¿Por qué este culto al libertinaje y a la promiscuidad?. Desconozco si algún antropólogo ha dedicado algunos años de su vida para investigar y dar a conocer la respuesta a tan escabroso asunto, pero dada mi curiosidad por todo lo que se haya escrito o divulgado sobre la antigua costumbre de cohabitar (vulgo: joder, follar) a través de los tiempos, prometo que si en mis incursiones por santuarios libreros encuentro alguna obra que trate con la seriedad que merece el tema (sin pitorreo), lo haré público en este blog dedicado a tratar asuntos trascendentales para el conocimiento de los mortales de bien y de los perversos que también los hay muy cultos.

Aquí paz y después gloria.

Un inocente juego

En el siglo VI a. d. C. (hace 2607 años, año arriba, año abajo), y como se puede observar en el grabado etrusco de la época, ya estaban bastante adelantados en lo que a la buena educación y estrictas reglas morales en las relaciones sociales se refiere. Pero, como ocurre siempre que estas reglas son excesivamente represivas para el instinto animal que todos llevamos dentro, los artistas se aprovechaban del hambre que pasaban sus coetáneos (y ellos también, qué coño) para embolsarse una buena pasta dibujando y pintando escenas eróticas en cualquier soporte que se prestara para deleite de los pudientes, los otros, los no pudientes se tenían que conformar con soñar, y ya sabemos que nada mejor que el hambre para excitar la imaginación.

Pues, según cuentan las crónicas de la época, los etruscos a fuerza de pensar en cómo alegrar un poco, por lo menos, la vida tan sosa que llevaban descubrieron un juego, aparentemente un inocente juego, para poder toquetear y manosear los cuerpos de las féminas sin provocar escándalo entre la circunspecta sociedad en que vivían. Y este juego fue, ni más ni menos, el que hoy conocemos como el de "papás y mamás". Consistía en reunirse los confabulados, y confabuladas, en alguna de las mansiones rodeadas de jardines que habitaban con la excusa de merendar chocolate con churros (como hacían hasta hace poco el cura del pueblo junto con el médico, el farmacéutico y el maestro) y, una vez reunidos y leídas las reglas del juego, se iniciaba la kermés heroica . Pero eso sí, como no podían desprenderse de totalmente de la educación recibida en el período de la EGB, lo hacían con toda clase de sutilezas, corteses modales y hasta con una delicadeza extrema (así da gusto, eh) a la hora de solicitar a las damas que se desvistiesen para imitar a los primeros papás, Adán y Eva. Así pues, la tarde transcurría en un ambiente totalmente familiar aunque sólo hubieran parejas y que estas no eran, según las reglas, a perpetuidad, sino mas bien de quita y pon, que en eso consistía la gracia de juego.

Y cocinando, friendo, asando e hirviendo los distintos y variados productos que se daban en sus ricas huertas como las coliflores y los nabos o las manzanas y los plátanos, terminaban todos, y todas, que también ellas participaban con gran apetito, ahítos de tanto comer y chupar, de tanto tragar y beber, quedando desparramados por aquí y por allá, sobre cualquier lecho de blanda hierba o al resguardo de cualquier aromático y florido arbusto. Pero eso sí, la sociedad pacata y reprimida no se enteraba y por lo tanto no había escándalo. Todos santos.

Esta es la leyenda del origen de un juego tan popular, y tan inocente, hace ya algunos años, hoy ya no, porque hoy se juega con las playstations que aunque así no se condenan al fuego eterno al no pecar contra el sexto mandamiento de la Ley de Dios, sí que se condenan a un tipo de idiotez profunda del que es difícil que un adolescente salga sin daños colaterales profundos.

Amén.

El arte de siempre

Excelente trabajo el que han realizado los paleontólogos con esta figura rescatada de algún yacimiento arqueológico del cual desconozco el lugar y la fecha en que fue hallado. Es digno de admiración el monumental derroche de paciencia que han empleado en la reconstrucción de la escultura de este señor, si señor, porque a la vista está que la imagen no admite dudas de que se trata de un señor, ¿o no?.

El modelo que sirvió para perpetuar la figura de tal señor, que ya me gustaría saber en que época vivió y en qué lugar habitó, no por nada, simplemente por morbosa curiosidad malsana; pues eso, el modelo debió de ser más bien un macho súper machista que lo que hoy llaman "un danoncito", aunque estilizado si que está, desde luego. ¿Sería en su tiempo un adonis prototipo, entre los jóvenes, del JASP actual?. ¿Sería un fenomenal error de la naturaleza?. ¿Sería el producto de un experimento realizado por los hechiceros de entonces que, además de buscar la formula de la piedra filosofal, estaban buscando también la formula para crear un macho superior y conseguir la, tan anhelada, pura raza aria?

Sea lo que fuere nunca sabremos a quien representaba la maltratada escultura que me sirve de ilustración para esta indecente masturbación mental que estoy realizando en la soledad de un vagón vació del metro.

Para lo que sí me ha servido esta imagen es para hacerme cambiar de opinión sobre el arte. Antes de verla mi opinión sobre las tendencias "artísticas" del arte como el cubismo, el abstracto, el surrealista, el art nouveau o el pop art, era la de que los artistas modernos artos de ver cómo se admiraba y se veneraba las obras de los clásicos y que lo que hacían ellos no despertaba la mas mínima atención por parte del público ni de los expertos, galeristas o marchantes, decidieron tirar por la calle de en medio y crear "obras" que rompieran con los parámetros del clasicismo y del renacimiento. Si gustaban o no era lo de menos, lo importante era que unos los pusieran como hoja de perejil y otros los subieran a los altares diciendo que eran los precursores del nuevo arte. Pues bien, acabo de darme cuenta de que ni Dalí, ni Miró, ni Fernando Botero, ni Picasso, entre otros, son tan originales ni han descubierto nada nuevo, lo que ellos han echo ya se hacía en tiempos inmemoriales. O sea que ahora opino que desde siempre han habido artistas y pintamonas, además de que no hay nada nuevo bajo el sol, a ver si nos enteramos, joer!.

Bueno, me bajo ya del pulpito porque la parroquia se me ha dormido.

El arte de vivir

El que conoce el arte de vivir consigo mismo ignora el aburrimiento.

Erasmo de Roterdam, (1467-1536)

Violonchelo

EL VIOLONCHELO
Su tamaño: largo total: 1.55-1.56 m. • ancho: 0’76 m.
Extensión: Do 1 – La 4
Afinación: cuatro cuerdas en quintas, Do 1, Sol 1, Re 2, La 2. La parte se escribe normalmente en clave de Fa, a no ser que haya notas o pasajes especialmente agudos, para los que se puede recurrir a la clave de Do o Sol.
Ejecución: el instrumentista está sentado, con el instrumento, fijado al suelo por una pica, pasa entre las piernas para crear un ángulo contra el pecho, mientras es frotado por un arco sostenido por la mano derecha.

El violonchelo surgió en la primera mitad del siglo XVI como el bajo de la familia de las violas da braccio. Uno de los primeros instrumentos que han sobrevivido data de 1572 y fue creado por Andrea Amati. Algo posteriores, pero de mayores dimensiones son los primeros instrumentos creados por luthiers como Gasparo da Salò, Nicola Amati y Giovanni Paolo Maggini, de la escuela de Brescia. Un papel importante en la estabilización del tipo organológico fue la dinastía Grancino, en el norte de Italia, y en Nápoles los Gagliano. Antonio Stradivarius consiguió la mejores proporciones y tamaño, en torno a los 75 cm, a partir de 1710. Con todo, y en la primera mitad del siglo XVIII hubo experimentaciones en instrumentos de poca duración, como el violonchelo piccollo utilizado por Bach en sus cantatas de Leipzig o el violonchelo de cinco cuerdas utilizado por el mismo compositor en la Suite para chelo nº 5. Durante el Barroco el violonchelo tuvo un papel esencial como instrumento de continuo -junto con otros bajos de cuerda frotada- y fue sustituyendo al tenor de viola da gamba tanto como instrumento solista como de continuo. A lo largo del siglo XVIII su presencia en la orquesta como sección va estabilizándose y aumentando en número, y en la segunda mitad del XVIII aparece la primera literatura concertística especialmente pensada para el instrumento, como en los conciertos de cámara.
Casi simultáneamente se comenzaron a escribir para él sonatas, tríos, cuartetos y surgieron numerosos virtuosos como Luigi Boccherini.
Inicialmente se tocaba de pie, sosteniéndose el arco con la palma de la mano hacia arriba. En el transcurso del XVIII las fuentes iconográficas nos van mostrando que el arco se comienza a agarrar con la palma hacia abajo, como correspondía a un tratamiento crecientemente virtuoso, aunque aún a un cuarto de su longitud. A lo largo de mediados y segunda mitad del XVIII la mano va agarrando el arco más hacia su extremo, y se impone su ejecución sedente, con el instrumento entre las piernas. A partir de inicios del XIX se va difundiendo el uso de la pica que fija el instrumento al suelo y ofrece más seguridad y resonancia.
Esta evolución desde el XVIII al XIX afectó igualmente al propio instrumento, que creció algo en volumen, mientras la mayor inclinación del clavijero respecto a la tabla de resonancia desembocó en una mayor tensión de las cuerdas, y por consiguiente, en más volumen, más brillantez y cierta pérdida de armónicos. El arco creció de forma consecuente, y el ataque se hizo más pesado.
Ya a lo largo del XIX el violonchelo aparece definitivamente instalado como el segundo instrumento de cuerda en una formación sinfónica -en la actualidad, una orquesta puede contar con una sección de chelos de entre 10 o doce instrumentos-, mientras consolida su papel como relevante instrumento camerístico, tanto dentro del tradicional trío o cuarteto, como en las más diversas posibilidades instrumentales. La producción concertística aumenta en el siglo XIX, que deja alguna de las muestras más paradigmáticas del género, e incluso se expande aún más en el siglo XX, con nuevas creaciones de todo tipo, algunas escritas especialmente para solistas tan relevantes como el español Pau Casals o el ruso Mtislav Rostropovich.


Repertorios:
A. VIVALDI, Concierto para violonchelo y orquesta nº 1 en Mi bemol mayor, OP. 107
J.S. BACH, Suites para violonchelo nº 1 en Sol mayor, BWV 1007, nº 2 en Re menor, BWV 1008, nº 3 en Do mayor, BWV 1009, nº 4 en Mi bemol mayor, BWV 1010, nº 5 en Do menor, BWV 1011, nº 6 en Re mayor, BWV 1012.
J. HAYDN, Concierto para violonchelo y orquesta nº 1 en Do mayor, HOB VIIB.1
J. HAYDN, Concierto para violonchelo y orquesta nº 2 en Re mayor, HOB VIIB.2
L. BOCCHERINI, Conciertos para violonchelo y orquesta nº 1 en Mi b mayor, nº 2 en La mayor, nº 3 en Re mayor, nº 4 en Do mayor, nº 5 en Re mayor, nº 6 en Re mayor, nº 7 en Sol mayor, nº 8 en Do mayor, nº 9 en Si bemol mayor, nº 10 en Re mayor, nº 11 en Do mayor, nº 12 en Mi bemol mayor.
R. SCHUMANN, Concierto para violonchelo y orquesta en La menor, OP. 129
E. LALO, Concierto para violonchelo y orquesta en Re menor
J. BRAHMS, Doble concierto para violín, violonchelo y orquesta en La menor, OP. 102
J. BRAHMS, Trío para clarinete (o viola), violonchelo y piano en La menor, op. 114
C. SAINT-SAËNS, Concierto para violonchelo y orquesta nº 1 en La menor, OP. 33
C. SAINT-SAËNS, Concierto para violonchelo y orquesta nº 2 en La menor, OP. 55
C. SAINT-SAËNS, Allegro appassionato para violonchelo y orquesta, OP. 43
P. I. CHAIKOVSKI, Variaciones sobre un tema rococó para violonchelo y orquesta, OP. 33
A. DVORÁK, Concierto para violonchelo y orquesta en Si menor, OP. 104
E. ELGAR, Concierto para violonchelo y orquesta en Mi menor, OP. 85
E. BLOCH, Schelomo, rapsodia hebraica para violonchelo y orquesta
S. PROKOFIEV, Concierto para violonchelo y orquesta en Mi menor, OP. 58
A. HONEGGER, Concierto para violonchelo y orquesta
P. HINDEMITH, Concierto para violonchelo obligado y diez solistas, OP. 36/2
W. WALTON, Concierto para violonchelo y orquesta
A. JACHATURIAN, Concierto para violonchelo y orquesta en Mi mayor
D. SHOSTAKOVICH, Concierto para violonchelo y orquesta nº 1 en Mi bemol mayor, OP. 107
D. SHOSTAKOVICH, Concierto para violonchelo y orquesta nº 2, OP. 126
B. BRITTEN, Sinfonía para violonchelo y orquesta, OP. 68

El arte de José Ganfornina

De vez en cuando compro alguna revista o libro de arte para regalarme la vista y a la vez procurar un alivio a mis ojos fatigados de ver tantas imágenes agresivas, violentas y negativas de la vida diaria (atracos, agresiones, violaciones, asesinatos, atentados, guerras varias, accidentes, películas, tertulias televisivas degradantes, etcétera), que genera esta sociedad decadente e inculta en donde la mediocridad y la vulgaridad han establecido sus reales con tanto arraigo que sólo Dios sabe cuando las podremos desterrar para beneficio de los ciudadanos adultos y menos adultos, que componemos la masa social de este país.

Hojeando una de estas revistas, atrasada, han ido mis ojos a posarse sobre la reproducción de unos cuadros de José Ganfornina (Málaga, 1995) que el crítico de arte (no lleva firma) ha descrito así: "José Ganfornina parece ofrecernos en su obra la intuición del fin del mundo. Sin que pueda hablarse en ella de "realismo mágico"; o de "superrealismo heterodoxo", tal vez le encaje mejor la definición acuñada por el crítico José Infante en el catálogo de una de sus exposiciones: "realismo profético". Pero hay en sus cuadros elementos mitológicos y simbólicos a veces demasiado complejos para salvarlos con una simple frase. Hay un mundo onírico muy personal en su obra, de gran belleza, en la que no cabe hablar de influencias específicas. Ganfornina es un pintor del que podríamos decir, como también de algunos de sus cuadros, que está fuera del tiempo". Totalmente de acuerdo.

Contemplando las reproducciones que nos ofrece la revista, vuelvo a recordar lo que siempre se ha dicho de los grandes artistas: Muy pocos, en el transcurso de su vida, han podido tener la satisfacción de ver su obra reconocida y valorada como lo ha sido años después de su muerte. Misterios que sólo conocen los mercaderes, insensibles almaceneros de obras de arte y únicamente interesados en promocionar como valiosa cualquier obra olvidada pensando sólo en el beneficio que van a obtener cuando los vendan.

Contemplar la pintura de Ganfornina, aire, agua, fuego y tierra, es sumergirse en un mundo irreal, onírico, bello, turbador, que transmite emoción al espíritu sensible; es una concepción original de un mundo, de su mundo, irreal, o puede que real con el paso del tiempo; es excitar la imaginación deseando ser parte integrante de su obra, vivir realmente la grandiosidad del espectáculo que nos muestra; es, en fin, soñar, que es lo que todos necesitamos para sobrellevar la vulgar mediocridad cotidiana.
Salud y larga vida don José

Pintor que pintas ...

DESDE LA CRÍTICA SOCIO-POLÍTICA HASTA LA INDAGACIÓN EN LOS LÍMITES DE LA OTREDAD, LOS UNIVERSOS FRONTERIZOS SON CAMPO PROPICIO PARA LAS INTERVENCIONES ARTÍSTICAS. (...) EL "ARTE-JET" TIENDE A HACER UNA CRÍTICA SOCIO-POLÍTICA DESDE EL COMPORTAMIENTO BUSSINES-CLASS, SUBLIMANDO SU VIAJE COMO CUESTIONAMIENTO RADICAL DE IDENTIDADES. (Fernando Castro Flórez, crítico de Arte)

Estos dos párrafos merecerían estar registrados en una Oficina de Patentes Especiales como de lectura reservada a eminencias de la categoría de Doctores Honoris Causa, premios Nobel o sabios sapientísimos, ya que suponen un peligro para la salud mental de las personas normalitas, pues su lectura podría acarrear al lector desprevenido un cortocircuito en su red neuroeléctrica cerebral, con grave riesgo de incendio de la corteza craneal y con incontables daños colaterales.

Si he de someter a mi intelecto, a la gratuita tortura de interpretar las sesudas disquisiciones de un crítico, dirigidas a traducir lo que un artista ha querido expresar en su obra, que per se no se explica uno, desde ayer desisto de acercarme a ninguna exposición de obras de arte ante el temor de verme confundido, patidifuso y obnubilado por no poder ver o interpretar la obra expuesta ni, mucho menos, la interpretación que hace el crítico de lo que estoy viendo.
¡Viva la interpretación libre!, ¡Viva la libertad de exposición!, ¡Viva el analfabetismo artístico!, ¡Viva yo!, ¡Viva tu!, ¡Al carajo con todo!.